Natalie Leskova om odditiesna av att undervisa designkläder
Natasha Leskova är en mycket ung designer. Hon skapar enkla saker med utskrift av St. Petersburg: St. Isaacs katedral, Neva och stenar i Peter och Pauls fästning. Denna enkla idé tog omedelbart framgång och kunder till designern. Nu är varumärket Natali Leskova baserat i showroomet i centrala St Petersburg, i utbildningshuset "Benoit", och leder försäljningen via sin VKontakte-sida. Vi pratade med designern om hur man gör ett varumärke ensam och vilken rysk utbildning i mode ser ut.
Hur bestämde du dig själv, en ung designer, att själv lansera ett varumärke?
Jag studerade vid Stieglitz-akademin vid Costume Design Department. Det var den fjärde eller femte kursen när det kom till insikten att med att få ett diplom kommer ingenting att förändras och att du måste börja arbeta med ditt varumärke, ju desto bättre desto bättre. Jag hade tur, jag fick praktik på Domus-akademin i Milano; Två veckor tillbringade där gav mig enorm kunskap och erfarenhet. Jag uppmärksammade det faktum att utomlands de fokuserar på den övning som jag saknade. Där förklarade de för mig vem min målgrupp var, hur man kommunicerar med det, vilka interaktionskanaler som fanns, hur man presenterar allt korrekt. Dessutom undervisar människor som arbetar inom modeområdet där. I Ryssland lärs och lärs endast teorier av personer som inte har arbetat i modebranschen i minst trettio år. Därför har de båda åsikter och ett program på 20-30 år.
savagery.
Detta är väldigt sorgligt. I mode förändras allting varje dag. Vi måste hålla oss på topp och stew i allt detta hela tiden. Folk som drabbats av branschen kan inte lära sig bra.
Men är något vi lär oss bra?
Vi har en stark skola i målning och teckning, med den här kunskapen är det bra att åka utomlands. Dina skisser där glädjer alla, för europeiska studenter har i stället alla utklipp av något slag eller väldigt lite Malyaki gjort på en dator. Vi lär oss att förstå mänsklig anatomi väl, men de spenderar för mycket tid på dessa saker: Jag studerade i sex år, fem av dem gick till ritning och målning. Men här har vi ingen ekonomi. Och hur kommer designer att sälja sina saker, inte förstå hur priset görs? Härifrån verkar det för mig, alla problem är - klänningar på 25 tusen vardera från designers som producerar den första samlingen. När jag började kostar mina klänningar 1200-2500, så här.
Och hur mycket tror du att en ung designer ska ha kläder?
Tja, några tillräckliga pengar. Åtminstone i nivå med massmarknaden. Det är uppenbart att mycket beror på materialen. Om dyra material används omedelbart, ska du inte arbeta i minus. Men samtidigt måste vi inse att från den första samlingen blir du inte rik och du betalar inte för allt på en gång. Därför måste du tänka framåt och investera lite pengar med vetskap om att de kommer tillbaka till dig lite senare.
När började du, hade du en strategi?
Jag sålde mina första saker genom sociala nätverk. Det var en mycket liten kvinnors samling: två kostymer, en tröja, kjolar och byxor, en jumpsuit och flera klänningar. Snarare, inte ens en samling, utan bara en uppsättning saker som vi gjorde bra skytte. Jag förstod genast att när du säljer via sociala nätverk är det viktigaste en bra bild. Det händer ofta att saker är vackra i livet, och de är mycket dåligt borttagna. Detta motverkar köpare. Designern måste först sälja bilden, och då själva saken. Jag tog av samlingen, ställde den på VKontakte, och därifrån började de första beställningarna. Saker kostar mellan 2000-3000 rubel och jag synade allt själv, eftersom skalan var lämplig.
Saker från Natali Leskova-samlingen
skor: Banya Concept Store
Vilka råd skulle du ge unga designers om hur man marknadsför dina kläder?
Stoppa inte. Det finns också misslyckanden i suveräna framgångsrika designers - både när det gäller försäljning, marknadsföring och vad gäller insamlingens framgång. Det viktigaste är att fortsätta att göra allt och göra det hela tiden, utan att titta på det faktum att något har mer framgång och något mindre.
Nu fortsätter du att sy dig själv?
Nej, nu har jag en produktion. Inte direkt min personligen - samma personer tar order från andra designers, men de ingår också i mitt team: en professionell cutter, en sömnstress och en designer. Jag kunde inte sy mig själv just nu, eftersom volymerna inte är desamma. Jag är i sin tur engagerad i marknadsföring och nya projekt.
Vilken typ av kläder ville du skapa ursprungligen och hur fick du idén att göra saker med utskrifter av St Petersburg?
Jag ville alltid göra kläder som skulle vara bekväma för tjejer. Något enkelt i design, från bra tyger, men med sitt eget chip. Vid någon tidpunkt hade jag vackra bilder av Peter i mina armar, och jag trodde - varför inte lägga dem på kjolen. Således föddes den första kjolen, "Fontanka", den produceras fortfarande. Nu har jag en kapselsamling med tryck av Milano - jag samlade dem för flera resor. Jag släpper bara några saker utanför samlingen när jag inser att det finns ett behov av det.
Ordnar du utställningar?
Visningar är inte min historia. Jag är för presentationer, för att kommunicera med kunder, jag gillar det mycket mer, och enligt min mening blir det mer meningsfullt. Jag möter redaktörer, köpare och de jag behöver, och resten kommer att hitta mig med utvecklingen av varumärket.
Ger ditt varumärke en vinst?
Ja. Sant investerar jag omedelbart allt i vidareutveckling, men det finns en vinst.
Vilken budget började du med?
Jag hade inget startkapital. Det var bara pengar som jag inte spenderade på kläder, på lite underhållning, istället köpte jag tyg. Sedan köpte jag en liten bit, såg ut som allting gick och rörde sig i små steg. Det var ingen mening att skynda, jag ville bara stiga upp. Jag tycker fortfarande att det viktigaste är att agera och inte sluta. Om det inte finns några investerare eller stora familjen pengar bakom dig, kan du fortfarande lyckas. På Internet för detta en miljon vägar - du kan visa människor dina kläder. Det viktigaste är att förstå vad du gör och fortsätta att göra det på en bra nivå, för att inte lura människor.
Våra studenter saknar praktisk kunskap relaterad till modebranschen.
Låt oss gå tillbaka till utbildning. Idag, varje sekund - en designer.
Detta är sant. Om du kallar dig själv som en designer, kommer ingen att ta bort den här titeln från dig, men brukar det kosta lite. Med utbildning är allt ledsen. Inte alla har möjlighet att åka utomlands, det kostar dessutom otroliga pengar. Förra året var jag på Seliger och såg designers och modedesigners från provinserna där, inte ens från miljoner människor, men från mycket små städer. De vet hur man sy, gör en massa saker, men i slutändan finns det ingen smak i den. Det ser allt ledsen ut, för varför gör de det? Vi måste alltid inkludera hjärnan och på ett adekvat sätt relatera till det arbete som utförts.
Våra studenter saknar praktisk kunskap i modebranschen: hur man säljer, till vem - det här är viktiga punkter. Jag försökte diskutera med medstudenterna Louis Vuittons senaste show, så de vet inte ens vad Louis Vuitton är, för att inte nämna vem märkesdesignerna är. Detta är allmänt hemskt - och det här händer i St Petersburg, och inte i någon liten stad. Eller här lärde vi oss modets historia, men på en sådan nivå som jag lärde mig mer från böcker. Det är mycket viktigt att delta i självutbildning, köpa konst och modealbum eller åtminstone gå till biblioteket.
Vilka andra discipliner lärde sig?
De första två åren av studie var vi förbjudna att måla specifika kostymer. När jag bröt det här förbudet fick jag veta: "Vad är den här Barbie-kostym? Sätt dig, två." Och sedan i det tredje året började vi förbereda oss för industriell design - det här är när du målar en kostym, gör en teknisk skiss, dra en hylla, en ryggstöd separat så att du kan gå till designarna med dessa skisser och prata om baksidan av saker. Eleverna kan inte ta det och återuppbygga, efter alla dessa missförstånd och abstraktioner i särdrag. Eller i sammansättning hade vi sådana uppgifter: I industridesign tar du ett massmarknadsmärke - Mango eller H & M - och gör en samling av 6-7 saker för dem.
Varför massmarknaden? Det finns ingen design där, det är bara grundläggande kläder.
Varför inte dior? Jag har varit i Dior, men de känner fortfarande inte de flesta varumärkena. Som ett exempel fick vi mest en massmarknad. Det var en lärare som senare blev min konstnärlig chef för ett diplom, så hon sa regelbundet: "Gå till Mango, gå till galleriet, shoppa, ta en titt." Vid vissa klasser vände vi oss till det förflutna, till kända märken, men alla exempel slutade igen på 20-talet, men det var inget sagt om moderniteten.
Och berättade hur man gör en show, vad är en bowbook?
Nej. När jag använde orden "inspiration", "lookbook", "mudboard" i min ordförråd, hörde jag som svar: "Du kan inte säga det här - inte en båge, men en bild." Under de fem åren av mina studier fick jag i allmänhet aldrig information om hur man skjuter en bok, hur man kombinerar och presenterar mina saker. Ett diplom, som ägnas åt arbete på ett helt år, syftar alla elever i april. Modeller för demonstrationen är isolerade i begränsade mängder och är indelade i hela frågan, de kan inte färgas på egen väg eller göra någon form av frisyr. Därför letade jag efter modeller från sidan. Vi hade en show i en av akademins hallar, allting var dåligt: det fanns ingen podium, ingen backstage, inga villkor.
Hur byggdes det årliga arbetet på examenssamlingen?
Samlingen innehåller bara sju bågar, så alla sysades i april. I teorin är systemet det här: i september tilldelas du en konstnärlig regissör, du börjar arbeta med honom på skisser och urval av tyger. I december, den första rektorens show, under vilken du försvarar det valda ämnet. Jag hade ett flyg tema - moln, himmel, det är allt. En tjej gjorde en hel samling gamla fallskärmar. Detta är en typisk illustration av hur vi älskar avantgarde och gillar inte vad som kan bäras.
Är avantgarde idéerna specifika också?
Man tror att ju fler krusiduller är, desto bättre är: 8 ärmar, 50 fickor på ett ben, rhinestones, fjädrar. Designers med vilka jag studerade trodde verkligen att de uppfinde något nytt. Och lärarna lovordade dem att du är bra gjort, så mycket arbete. Ingen trodde att du senare inte skulle sälja det, och du kunde inte ens lägga det på en andra gång, för det skulle alla falla ifrån varandra - det är kvaliteten på prestanda. Samtidigt under förbudet hade vi ordet "bärbar". När jag sa: "Mina kläder är bärbara, de kan bäras i livet. Det här är en enkel uppsättning, jag tog den här kjolen på, tog den med den här toppen, jag tog en jacka härifrån. Allt är så här," svarade hon: "Nej, det kan jag inte. Det finns inget sådant ord, gå ändra ditt koncept. "
Varför lärs då av Mango-samlingarna?
Svårt att säga. Även min lärare verkar försöka driva på saker som kommer att krävas, som kan säljas, vilka vanliga människor kommer att ha på sig. Men ju mer hon såg absurt i samlingen, desto mer glädde hon sig. Det skulle vara roligt om det inte var så ledsen.
Natali Leskova
Föremål designer finns i St. Petersburg:
Showroom Natali Leskova, Kamennoostrovsky Ave., 26/28
Tack för hjälpen för att organisera skytte och intervjuer med Aurora Fashion Week-laget.