Frida Kahlo: Historia att övervinna, full av motsägelser

Till slutet av april i St Petersburg passerar Frieda Kahlo en retrospektiv - den stora mexikanska konstnären som blev hjärtat och själen av kvinnlig målning i världen. Det är vanligt att berätta om Fridas liv genom historien att övervinna fysisk smärta, men som vanligtvis är det bara en aspekt av en komplex och mångfacetterad väg. Frida Kahlo var inte bara den erkända målaren Diego Riveras hustru eller en symbol för mental och fysisk styrka - konstnären har skrivit hela sitt liv, utifrån sina egna inre motsättningar, komplexa relationer med självständighet och kärlek och pratar om vem hon kände sig bäst av allt - själv.

Frida Kahlos biografi är mer eller mindre känd för alla som tittade på Julie Taymor-filmen med Salma Hayek: sorglös barndom och ungdom, en hemsk olycka, en nästan slumpmässig fascination med målning, bekantskap med konstnären Diego Rivera, äktenskap och den eviga statusen "allting är svårt". Fysisk smärta, känslomässig smärta, självporträtt, abort och missfall, kommunism, romansk romaner, världsberömning, långsam utrotning och efterlängtade död: "Jag hoppas att vården kommer att bli framgångsrik och jag kommer inte att återvända," slingar Frieda i sängen för evigheten.

Vi vet inte om vården var framgångsrik, men de första tjugo åren efter det tycktes att Freda önskades. Hon var bortglömd överallt, förutom hennes infödda Mexiko, där husmuseet nästan omedelbart öppnade. I slutet av 1970-talet började hennes verk på våg av intresse för kvinnokonst och neo-mexicanism vid tillfällen förekomma vid utställningar. Ändå gav 1981-Oxford-kompanjonen till artonhundratals konstordbok för modern konst henne en enda rad: "Kahlo, Frida. Se Rivera, Diego Maria".

"Det fanns två olyckor i mitt liv: en när bussen träffade en spårvagn, den andra är Diego," sade Frida. Den första olyckan gjorde att hon började måla, den andra gjorde en konstnär. Den första svarade på fysisk smärta i hela sitt liv, den andra orsakade andlig smärta. Dessa två erfarenheter blev senare huvudtema i hennes målningar. Om en bilolycka verkligen var en dödlig olycka (Freda var tvungen att gå på en annan buss, men kom ut halvvägs för att leta efter ett bortglömt paraply) var det svåra förhållandet (trots allt Diego Rivera inte det enda) oundvikligt på grund av inkonsekvensen av sin natur vilken styrka och oberoende som kombinerades med offer och besatthet.

↑ "Frida och Diego Rivera", 1931

Jag var tvungen att lära mig att vara stark i min barndom: först hjälpa min far att överleva epileptiska anfall, och sedan klara av konsekvenserna av polio. Frida spelade fotboll och boxning; i skolan var hon i ett gäng av "kauchas" - hooligans och intellektuella. När skolans ledning inbjöd Rivera, då en erkänd mästare, att måla väggen, gnidade hon trappstegen med tvål för att se hur den här personen med ansiktet på en padda och en elefants kropp slippade. Hon ansåg att tjejsföretag var vanligt, hon föredrog att vara vänner med pojkar och träffade de mest populära och kloka av dem, som också studerade flera klasser äldre.

Men att ha blivit förälskad, tycktes Frida förlora sitt sinne, vilket hon så värderade i människor. Hon kunde bokstavligen sträva efter hennes passion, kasta brev, förföra och manipulera, allt för att kunna spela rollen som en trogen följeslagare. Så i början var hennes äktenskap med Diego Rivera. Båda förändrades, dispergerades och konvergerades igen, men enligt minnesminnena var Frida ofta sämre och försökte bevara förhållandet. "Hon behandlade honom som en älskad hund," återkallade en av hennes vänner. "Han är med henne som en älskad sak." Även i bröllopsporträtten "Frida och Diego Rivera" är bara en av de två artisterna avbildad med professionella attribut, en palett och penslar - och det här är inte Frida.

Medan Diego skrev fresker i flera dagar tillbringade han natten i skogen, hon bar honom lunchkorgar, arbetade på räkningar, räddade på välbehövliga medicinska förfaranden (Diego spenderade en förmögenhet på sin samling prekolumbiska statyer), lyssnade uppmärksamt och följde vid utställningar. Under hennes mans påverkan förändrade hennes målningar också: om de första porträtten av Frida målade, imiterar renässansartisterna från konstalbum, tack vare Diego, trängde de nationella traditionerna i Mexiko, som sjungades av revolutionen, in i dem: en bild av blödande sår med en pomp av blommor, snören och band.

↑ "Alejandro Gomez Arias", 1928

För att behaga sin man ändrade hon till och med sina jeans och läderjackor till fluffiga kjolar och blev "teuan". Den här bilden var helt saknar någon äkthet, eftersom Frida kombinerade kläder och accessoarer från olika sociala grupper och epoker, skulle kunna bära en indisk kjol med en Creole blus och Picassos örhängen. Till sist gjorde hennes uppfinningsrikedom denna maskerad i en separat konstform: började klä sig för sin man, fortsatte hon att skapa unika bilder för sitt eget nöje. Frida noterade i sin dagbok att kostymen också var ett självporträtt; hennes klänningar har blivit tecknen i målningarna, och nu följer de på utställningar. Om målningarna var en återspegling av en inre storm, blev kostymerna hennes rustning. Det är ingen slump att ett år efter skilsmässan, "Självporträtt med skördat hår" dök upp, där manliga kostym tog plats för kjolar och band - i en liknande Frida en gång poserade för ett familjeporträtt långt före mötet Diego.

Det första allvarliga försöket att komma ut ur hennes mans inflytande var beslutet att föda. Naturlig förlossning var omöjlig, men det fanns hopp om en kejsarsnitt. Freda rusade. Å ena sidan var hon ivrig efter att fortsätta loppet, sträckte det röda bandet, som hon senare skulle skildra i bilden "mina morföräldrar, mina föräldrar och mig", för att ha "little Diego" till sitt förfogande. Å andra sidan förstod Freda att barnets födelse skulle knyta henne till ett hus, skulle störa hennes arbete och skulle avstå henne från Rivera, som var helt emot barn. I de första bokstäverna till familjen till Dr Leo Eloisser frågar gravid Frida vilken möjlighet som kommer att leda till mindre hälsorisker, men utan att vänta på ett svar bestämmer hon sig för att hålla graviditeten och inte längre retreats. Paradoxalt sett blir det val som vanligtvis ställs på en kvinna som Frida, ett uppror mot vårdnaden av sin man.

Tyvärr slutade graviditeten i missfall. Istället för den "lilla Diego" föddes "Henry Ford Hospital" - ett av de sorgligaste verk som serien av "blodiga" målningar började. Kanske var det första gången i konsthistoria, när artisten berättade om kvinnors smärta med den yttersta, nästan fysiologiska ärligheten, så mycket att benen ryckte på män. Fyra år senare bestämde Pierre Collet, arrangören av hennes Parisutställning, inte ens omedelbart att visa dessa målningar och hitta dem för chockerande.

Slutligen avslöjades den del av livet för en kvinna som alltid var skamligt dold från nyfikna ögon i ett konstverk.

Olyckorna följde Frida: Efter barnets död överlevde hon moderns död, och man kan bara gissa vad ett slag mot henne var en annan roman av Diego, den här gången med sin yngre syster. Hon skyllde sig själv och var beredd att förlåta, om inte bara bli en "hysterisk kvinna" - hennes tankar om detta ämne ligner smärtsamt den eviga avhandlingen att "en kvinna borde vara vis". Men när det gäller Frida gick inlämning och förmåga att uthärda hand i hand med svart humor och ironi.

När hon kände sin sekundära betydelse, hennes obetydliga känslor i jämförelse med männen, tog hon denna upplevelse till absurditetens punkt i filmen "Ett fåtal små injektioner". "Jag har bara stött henne flera gånger", sa en man som hade knäckt sin flickvän vid rättegången. Frida skrev en komplett sarkasm av arbetet, bokstavligen täckt av blod (fläckar av röd färg "sprutade ut" även på ramen). Över kvinnans blodiga kropp står en deadpan-mördare (hans hattanvisningar på Diego) och överst, som en skymning, svävar ett namn skrivet på ett band som hålls av duvor, så likt ett bröllopspresent.

Bland fläktarna i Rivera finns det en uppfattning att Frida-målningarna är "salongmålning". Kanske, Frida själv skulle först och främst hålla med det. Hon var alltid kritisk till sin egen kreativitet, försökte inte träffa galleriägare och återförsäljare, och när någon köpte hennes målningar klagade hon ofta att pengar kunde spenderas med större vinst. Det här var lite flirtig, men det är uppenbart att det är svårt att känna sig trygg när din man är en erkänd mästare arbetsdag och natt, och du är självlärd, har svårt att välja målning mellan hushållsarbeten och medicinsk verksamhet. "Konstnärens verk är definitivt signifikanta och hotar även hennes kända man crowned med laureller", skrevs i pressmeddelandet för den första New York-utställningen av Frida (1938); "Baby Frida" - så kallad författaren till publikationen på TIME. Vid den tiden hade "nybörjaren" "bebis" skrivit i nio år.

↑ Roots, 1943

Men bristen på höga förväntningar gav fullständig frihet. "Jag skriver mig själv för att jag spenderar mycket tid ensam och för att jag är det ämne som jag bäst vet", sade Frida, och det var inte bara subjektivitet, utan också subjektivitet, när man tog upp detta ämne. Kvinnorna som poserade för Diego förvandlades till oförnämnda allegorier på sina fresker; Frida har alltid varit huvudpersonen. Denna position stärktes genom att dubblera porträtt: hon skrev ofta på samma gång i olika bilder och hypostaser. En stor duk, "Two Fridas" skapades under skilsmässa processen; På det skrev Frida sig själv "älskad" (till höger, i en Teuan-kostym) och "olovad" (i en viktoriansk klänning som blöder i blod), som om de förklarade att hon nu är "andra hälften". I målningen Mitt födelse, skapat strax efter det första missfallet, skildrar hon sig som en nyfödd, men uppenbarligen associerar hon med figuren hos en mamma vars ansikte är gömd.

Den ovan nämnda New York-utställningen hjälpte Frieda att bli friare. Hon kände hennes självständighet för första gången: hon gick ensam till New York, fick bekanta, mottog order för porträtt och började romantik inte för att hennes man var för upptagen, men för att hon tyckte om det så mycket. Utställningen accepterades allmänt positivt. Det var självklart kritiker som sa att Friedas bilder var för "gynekologiska", men det var ganska komplimang. Slutligen var den delen av kvinnans liv som teoretikerna av жен feminine "motiverade i århundraden, men som alltid var blygna dolda från nyfikna ögon, var Revealed i ett konstverk.

New York-utställningen följdes av en parisisk utställning, organiserad med Andre Bretons direkta deltagande, som ansåg Fried en framstående surrealist. Hon gick med på utställningen, men avstod från surrealism. Det finns många symboler på Fridas dukar, men inga tips: allt är uppenbart, som en illustration från en anatomisk atlas, och samtidigt smaksatt med utmärkt humor. Drömmigheten och dekadensen i surrealisterna irriterade henne, deras mardrömmar och freudianprojektioner verkade barnsliga förvirrade jämfört med vad hon hade upplevt i verkligheten: "Sedan [olyckan] har jag varit besatt av att skildra saker som mina ögon ser dem, och inget annat. " "Hon har inga illusioner," godkände Rivera.

↑ "Mina morföräldrar, mina föräldrar och mig", 1936

Frida hade inga illusioner, gick med på en skilsmässa, hade inga illusioner, gick med på att gifta sig med Diego, men gick inte längre med flödet. Smärtan i klyftan blev hon till sitt bästa arbete, och det lidande Diego utrullade villkoren: hon kommer att innehålla sig och de kommer inte att ha sexuella relationer. Hon började bära jeans igen, engagerade sig i hushållning och lärde eleverna nöje, skrev "Självporträtt med en skytt", på vilket det tidigare beskurna håret var sammanvävt i en snygging, och slutligen avgick till oförmågan att föda, vände sig till frågan om fertilitet. I hennes målningar uppträdde mer och mer rötter, stammar och frukter, och i dagboksposterna återfinns "Diego är mitt barn".

Det blev omöjligt för en man att vara en modersmor efter en serie operationer på ryggrad och amputationer: först ett par fingrar på höger ben, då - hela benet. Frieda fick vanligtvis smärta, men var rädd för att förlora rörligheten. Ändå är hon modig: gör sig redo för operation, lägg på en av de bästa klänningarna och beställt en röd lädersko med broderi för protesen. Trots det allvarliga tillståndet berodde hon på narkotiska smärtstillande medel och humörsvängningar för 25-årsdagen av det första bröllopet och övertygade till och med Diego att ta henne till den kommunistiska demonstrationen. Fortsatt att arbeta med all min makt, jag tänkte på något sätt att mina målningar blev mer politiserade, vilket verkade otänkbart efter att ha använt så många år som personliga erfarenheter. Kanske om Frieda överlevde sjukdomen, skulle vi känna igen henne från en ny, oväntad sida. Men lunginflammation, som upprepades vid den mycket demonstrationen, kortslog konstnärens liv den 13 juli 1954.

"För tolv års arbete utesluts allt som inte kom från den inre lyriska motivationen som tvingade mig att skriva." Fried förklarades i ansökan om Guggenheim Foundation-bidraget 1940: "Eftersom mina ämnen alltid var mina egna känslor, min sinnesstämning och svar på det som investerade livet i mig, förklarade jag det ofta i bilden av mig själv, som var den mest uppriktiga och närvarande, så jag kunde uttrycka allt som händer i mig och i den yttre världen. "

↑ "Mitt födelse", 1932

bilder: Wikipedia (1, 2), WikiArt (1, 2, 3, 4, 5)