Konceptbutiker, palats och Khrusjtjov: Hur mode interagerar med arkitektur
Att skapa en unik modeprodukt Designers vänder sig till ett stort antal referenser: antik skulptur, verk av Zaha Hadid eller Peter Zumthor, målningar av Timur Novikov eller Yves Klein, komplexa design av Ai Weiwei eller Lee Chen monoliter, industriella mönster från Memphis-gruppen - listan är oändlig. Konceptuella saker och deras marknadsföring kräver emellertid ett lämpligt sammanhang: För en fullständig nedsänkning av publiken och kunderna i atmosfären i samlingen söker designers eller bygger speciellt imponerande platser. Vi berättar hur arkitekturen i år har ersatt modedesigners passion för modern konst och varför designers tar rollen som guider på otroliga byggnader.
Skulptur, industriell design, arkitektur, mode - alla dessa är angränsande områden vid korsningen som religiösa couturiers arbetade under 20-talet: Charles James, Christian Dior, Paco Rabanne, Cristobal Balenciaga. Som arkitekter utvecklar kläddesigners ett skal för en person, men skapar, till skillnad från det förra, ett objekt som är utformat för att kunna finnas i rörelse. Ett levande exempel på ett mycket kontroversiellt sätt som besegrades är historien om den amerikanska couturier Charles James, vars modehus stängdes 1958. Det här perfektionistens saker, även om de var snyggt konstruerade, var föremål för konst snarare än kläder, krossade en person för sig själva: även om det var tidskrav, var det som att dra på sig ett helt hus på egen hand. Men moderna studenter på modehögskolor är också för förtjust i fantasimönster, glömmer nytta och sorgens erfarenhet från sina föregångare. Detta framgår av de slutliga arbetena i Central Saint Martins, London College of Fashion, Royal College of Art.
Christian Dior, trots svårighetsgraden och olägenheterna hos hans saker, lyckades fortfarande göra en revolution på 1950-talet. Han godkände den nya formen och kvinnliga silhuetten, och gjorde också huset Dior oerhört populärt. "Jag ville vara arkitekt, som en designer, följer jag arkitekturprinciperna. När du utformar en klänning, tar du hänsyn till arkitekturens och tyngdkraften, säger Dior. Idag är allt från varumärkesbutiker till platser där de nya kristna Dior-samlingarna visas, återspegla modetillverkaren av modehuset. För att visa höstcouture-samlingen var ett utrymme bestående av abstrakta geometriska glasmålningar speciellt utformade. Visningen av kryssnings kollektionen hölls på Cote d'Azur i "Palace of Bubbles", ett surrealistiskt och futuristiskt mästerverk 1989 av arkitekten Antti Lovag. Allt för att betona samlingens anda och varumärket DNA. Förresten tillhör den fantastiska fantasin hos en villa med sfäriska porthole fönster idag till 92-årige Pierre Cardin, en beundrare av abstrakt design och geometri i mode.
Idag kan showen inte längre vara bara en show. Tack vare den imponerande scenen och underhållningsscenarierna på Chanel-showen är Karl Lagerfeld känd även för dem som är långt ifrån mode. Lagerfeld varje säsong staden inuti Grand Palais brasserie, snabbköpet. Av arkitekterna (och inte bara) är Karl mest intresserad av superstjärnor: Det är inte förvånande att Chanel samarbetar med huvudkvinnan i världsarkitekturen Zaha Hadid. Under 2008 utformade Zach Chanels mobila paviljong, som reste runt om i världen från Tokyo till New York. År 2012 byggde hon upp de imponerande snövit dekorationerna i Grand Palais för att visa vårens sommarsamling av Chanel.
I år flyttade Lagerfeld 2016 kryssningssamlingsutställningen till Seoul, till den skrymmande byggnaden av hennes författarskap - Dongdaemun Design Plaza. Det återstår att vänta på gemensamt samarbete. Ändå är Zach känt inte bara för att arbeta med monumentala volymer i arkitektur, men också för samarbete med mode varumärken. Zaha är engagerad i utvecklingen av design bärbara prylar, smycken och speciellt skor. Tänk på hennes metallkängor för United Nude, eller sneakers, för Lacoste. Arkitekten är nu inblandad i samarbete med Adidas Originals och Farrell Williams.
En annan pelare världsmode, Louis Vuitton, samarbetar med arkitekten Frank Gehry, den enda som byggde Guggenheim-museet i Bilbao och satt mode på byggnadsattraktionerna på 1990-talet. Förra året byggde Gehry en spektakulär glasbyggnad för Louis Vuitton-stiftelsen och utformade även presentbutikerna av Louis Vuitton-butiker för presentationen av debutinsamlingen av Nicolas Ghesquière och skapade till och med en påse som en del av Icon and Iconoclasts-projektet. Märket fortsätter att stödja Hesquieras arkitektoniska tillvägagångssätt för utformningen av saker. För 2016 Chicken Collection, Louis Vuitton valdes som en 1950-talet art nouveau herrgård som ägs av den en gång amerikanska komikern Bob Hope och ligger i Palm Springs Desert i Kalifornien.
Arkitektur och mode, mer än andra former av konst, är förknippade med människan, formning och mättnad av offentliga utrymmen.
Arkitektur och mode, mer än andra former av konst, är förknippade med människan, formning och mättnad av offentliga utrymmen. Det är logiskt att dessa två områden kompletterar varandra harmoniskt. Avantgarde-arkitekturen idag är dock underlägsen den mer praktiska - exakt samma sätt ersätts avantgarde kläder och skor med enkla, prisvärda och funktionella, vilket motsvarar vår livliga takt och livsekonomi. Efter 2008-krisen beställer stellararkitekter alltmer mini-mästerverk - boutiquer, där organisationen av rymden och inredningen samtidigt måste demonstrera DNA-märken och främja försäljningen. Samma Zaha Hadid bygger Neil Barrett-butik i Tokyo, Norman Foster - Joseph Store i London, Roksanda Ilincic beställer byggandet av Londons flagstorm minimalist David Adjaye, författare till Skolkovo School of Management-projektet. Christian Diors boutique i Seoul är designad av den franska postmoderna arkitekten Christian de Portzampark, som tilldelades det prestigefyllda Pritzkerpriset. Byggnaden ser ut som flytande draperier på Christian Dior klänningar.
"Det första skalet, närmast människokroppen, är kläder. Den andra är inredningen. Den tredje är byggnaden som utgör staden där personen bor. Så mode och arkitektur handlar om samma sak - de skapar för personen en miljö där bekvämt, för en designer är en plan en människokropp, dess proportioner. Han, som arkitekten, kommer med ett nytt kuvert, en ny visuell estetik. Dessutom kan kläder som arkitektur påverka en persons psykologiska tillstånd. Det kan till exempel ge en känsla av säkerhet från väderförhållanden till I låten till gruppen "SPBCH" - "när du lägger på en huva och det blir lättare", "Galya Chepkina, grundare av Moskvas varumärke Gaito, aktier.
Ett annat slående exempel på samspelet mellan mode och arkitektur är Pradas tioåriga samarbete med Rem Koolhaas, grundaren av arkitektbyrån OMA, som konstruerade Garagebyggnadens nya byggnad. Kolahas ansvarar för nästan varje Prada-show, både man och kvinna, liksom Miu Miu. För utställningen bygger arkitekten tomma paviljonger från grunden och förvandlar dem till en nattklubb i 1990-talets anda, sedan till ett "idealiskt hus" eller en pool. Kolkhas och Prada samarbetar om större projekt. År 2009 byggde OMA en imponerande transformatorbutik för Prada i Seoul, och slutförde nyligen Prada Foundation Art Center i Milano. Kolkhas byrå har förvandlat ett gammalt destilleri till ett nytt konstcenter, som kombinerar det gamla och det nya. Prada-stiftelsens konstcenter är ett exempel på hur modern arkitektur har tagit en kurs mot demokratisering och decentralisering, vältänkta och blygsamma byggnader och respekt för landet och redan befintliga byggnader.
För modehus idag är det logiska utvecklingsstadiet användningen av miljön, mode in i en allians med urbanism, datormodellering. Frimärken tas aktivt för utveckling av stadsområden och byggnader. I år, för presentationen av kryssningssamlingen i 2016, valde Gucci bakgrunden till nästan det mest emblematiska urbana landskapet i 1900-talet - arkitekturen i New York, ledande modeller till 10 och 11 avenyer. Således visade Gucci hur djärv styling Alessandro Michele ser på gatorna i en av de mest dynamiska städerna i vår tid. Självklart kommer tanken "mode från gatorna och går tillbaka till gatorna" inte ny. Det räcker att återkalla gatorna på 80-talets Chloe Sevigny-grupp på gatorna Soho vid X-Girl-showen på mitten av 90-talet och Marc Jacobs show. Men även idag vill man se kläder på vanliga gator i stället för mot bakgrund av konceptuellt vriden glas och betong.
Arrangörerna av Florensutställningen Pitti Uomo hittade det perfekta sättet att interagera med arkitekturen. Och vi pratar om hela staden. Frimärken mästar de gamla italienska gårdarna, frodiga trädgårdar, barockpalatset. Så, Portar 1961 i år presenterade en ny herrsamling direkt på gatorna i Florens, på Onisanti-torget. Moschino klättrade in i barockerna i den gamla 1700-talet Palazzo Corsini. Kilgour visade saker i Medici familjen palats i centrala Florens. "Med hjälp av tyg arbetar jag med kroppsarkitektur. Form, funktionalitet och korrekt geometri är nyckeln till att skapa kläder", säger Kilgours kreativa chef Carlo Brandelli, som började som skulptör. Arkitektur skapar miljön där du måste leva. . Följaktligen presenterades det minimalistiska formatet av presentationen: En transparent glas labyrint placerades i barockutsmyckning av Medici Palace, där en man stod ensam i en perfekt skräddarsydd Kilgour-kostym.
Ett annat exempel är presentationen av prodigyen från Kanada, designer Thomas Tate hos Pitti Uomo, som fick ett bidrag för ett år sedan från det största modeföretaget LVMH. Thomas, som är nära den arkitektoniska utformningen av saker, samarbetat med arkitekten Mehrnush Hadwi. Tillsammans byggde de en spegelkorridor i Boboli-trädgårdarna, där LED-örhängen, surrealiska stövlar, de tunnaste topparna och grova jackorna flyttade i luften. Bakom Hadwi - arbete på New York-boutique Nicholas Kirkwood. Platsen för Tates presentation var delvis påminner om boutiqueets minimalistiska utrymme och samtidigt utställningen där uppmärksamhet fokuserades på saker av svårt skräddarsyarbete. Det visade sig i själva verket vara det perfekta formatet för ett ungt varumärke, vilket visar en otrolig kvalitet på prestanda av saker. Tate ville att folk skulle titta på varje sak nära och röra den.
Imponerande utställningar kompletterar mytologin av saker som berättas och visas i detalj.
Imponerande platser visar kompletterar mytologin av saker, berättas och visas i detalj. Skaparna av progressiva ryska märken förstår också det här: Först och främst kommer Rubchinskys show att komma ihåg på stadion i Sokolniki och i kyrkan vid Baumanskaya, samt Walk of Shame visar i Summer House of Count Orlov i Neskuchny Garden och i den konstruktiva byggnaden av Central House of Artists. Samtidigt vill inte den ansiktslösa långa scenen på Manezh eller Gostiny Dvor på den ryska modeveckan med en parad av olika märken komma ihåg: det är uppenbart att arrangörerna tänkte på interaktion med det historiska rummet som det sista, uppfattar det bara som kvadratmeter.
"Arkitektur och mode hela tiden interagera med kroppen. Mode är i direkt kontakt, arkitektur absorberar en person i sina utrymmen. I båda fallen bestämmer de personens känsla av själv, humör, befrielse eller undertryckande. Dessa är oskiljaktiga begrepp i själva verket. Så snart du köper en ny klänning, Du behöver ett stort utrymme för det. Det är klart att du har slutat renoveringen - uppdaterade garderoben, säger den unga ryska designern Alisa Kuzembaeva. Alice har ett arkitektdiplom. "Varje dag gör vi vad vi jämför Byar och vår garderob när man går ut ur huset. " Kläder kan faktiskt inte uppfattas separat från mediet där den bärs.
På Bauhausskolan troddes att ovanliga utrymmen förändrar kommunikationen mellan människor och att tack vare dessa byggnader blir samhället mer progressivt och mer humant i framtiden. Till viss del kan mode också ges ett sådant uppdrag. Vi instinktivt strävar efter harmoni, oavsett hur idéerna om det förändras över tiden - både byggnaderna och kläderna som de människor som bor dem bär, skapar en synlig men inte alltid medveten kokong runt oss. Som ett resultat kan båda förvandla stadsmiljön till det bättre och göra det aggressivt och ovänligt. Därför bör designers, som ibland är för angelägna om att uppnå globalisering eller universalitet, alltid komma ihåg om miljön där kläderna kommer att leva och bäras. Det är därför gatan italienska mode alltid kommer att skilja sig från ryska och ryska - från amerikanska eller japanska. När allt kommer omkring kan barock guld vara bäst att se i det "lockiga" palatset, medan Moskvas konstruktivism och Khrushchev så vackra vackra sneakers, bekväma träningar och klänningar av styva former är perfekta.
bilder: Shutterstock, (Courtesy av Pierre Cardin), (Courtesy of Dior), indigitalitalia.com/Pitti Uomo, AKAstudio-kollektiv / Pitti Uomo