Värre än att stjäla: Varför är det dags att sluta leta efter plagiering i mode

1989, den underjordiska designern Dapper Dankänd för sin kärlek till hiphop-hop och logomania, fångade han den amerikanska idrottaren Diane Dixon i en minkrock i sin egen design - med volymhöljen dekorerade med förkortningen LV. Efter 28 år förekommer en liknande sak i Gucci kryssningssamling, och Internet exploserar bokstavligen i memes: är det plagiat eller en tunn hyllning av 80-talet legenden?

Alessandro Michele själv, den kreativa direktören för Gucci, försäkrar att den berömda Dapper Dan coat bara fungerat som inspirationskälla för honom - det finns ingen direkt upplåning av tal. Ändå är det svårt att bli av med deja vu: Varför ska inte ett varumärke helt enkelt samarbeta med en designer genom att bjuda in honom att ompröva sina träffar i samband med modern mode?

Ett par veckor före showen på Miho Museum, nära Kyoto, presenterade en annan stor industrispelare Louis Vuitton sin kryssningssamling; Husets kreativa chef, Nicolas Ghesquière, arbetade med den tillsammans med den viktigaste formgivaren av 20-talet, Kansay Yamamoto. Remsorna som skapar den optiska illusionen, som på David Bowies kostym för Aladdin Sane-turnén, inspirerades av japanska kalligrafiutskrifter - allt detta läser hänvisningar till människans egna samlingar som förutsåg den japanska designers popularitet i Paris. Emellertid gömmer Louis Vuitton inte det: Gheskyer kallar sig själv som en fan av Yamamoto, medan den japanska konstnären själv satt på främre radshow.

Frågan om den moderna modeens sekundära natur ökar regelbundet i branschen. Börja med en uppriktig plagiering, som en sensationell berättelse om hur Zara använde arbetet med LA-baserad konstnär Tiusdie Bassen utan hennes kunskap, till många catwalk-samlingar av stora och små märken, vilket framkallar tankar i andan av "någonstans vi redan sett det". Att rita linjen mellan frank copying och notorisk inspiration blir allt svårare - medan man pratar om vem som använde den här eller den där utskrift eller skärmen innan, är en enkel man på gatan inte särskilt orolig.

Den berömda journalisten Angelo Flaccavento skrev mer än en gång att vi lever i efterproduktionstiden - termen introducerades en gång av kurator och konstkritiker Nicolas Burrio. Enkelt uttryckt är hela den moderna kulturen från mode och design till musik och konst behandling av existerande eller befintliga saker. Det är nästan omöjligt att komma på någonting helt nytt och aldrig tidigare skådat: medvetet eller inte, imitera eller tolka konstnärer på alla områden vad som skapades före dem.

Det är en sak att omarbeta originalet på ett sådant sätt att konstruktörens handstil gissas, och en annan att tanklöst stämpla potentiella träffar i hopp om att ingen kommer att minnas den ursprungliga källan

Till viss del är hela historien om mode förknippad med upplåning. Chanel noterade idéer för hennes företagsstil à la garçonne i föremålen av mäns garderob i början av 1900-talet, särskilt med hennes älskade Arthur "Boy" Kapel. Dior uppfann inte den berömda corolle siluetten ut ur ingenting, men omarbetade en klänning med en crinoline i slutet av XIX - början av XX-talet, moderniserar den. Den skandalösa samlingen av Yves Saint Laurent 1971 inspirerades av det parisiska sättet på 1940-talet och liknade en collage av saker som hittades i vinterns vinbutiker. Vivienne Westwood använde ofta referenser till den historiska kostymen i hennes verk, samlar en enda bild från visuella bitar av olika epoker (senare John Galliano skulle aktivt använda denna teknik som en del av sitt eget varumärke, och därefter Dior). Tanken att sätta män i kjolar tillhörde inte Jean-Paul Gautier - han lånade den från den enastående stylisten Ray Petri.

Det finns många liknande exempel, men ingen av dem minskar myndigheten hos de nämnda designarna. Vad skiljer dem då från Vetements, som gör en kopi-pasta inte bara av Martin Margielas samlingar från 1990-talet, utan även av jackbootsna som Julia Roberts hjältinna bar i "Pretty Woman"? Eller från Balmain, som i vårens sommar 2015-kollektion visar kostymen exakt samma som i 1998-kollektionen Givenchy couture? Eller från samma Gucci som gjorde glasögon för sin senaste kryssningssamling, precis som de som Goldie Hawn hade i filmen "Overboard"?

Att citera, inklusive direkt, är normalt. Men det är en sak att omarbeta originalet så att designerens handstil gissas, och en annan att tanklöst stämpla potentiella träffar i hopp om att ingen kommer ihåg den ursprungliga källan. Ta Prada Fall-Winter 2014/2015 kollektionen - det såg ut som en modern remake av filmen Bitter Petra Von Kant, som börjar med utskrifter och färgkombinationer och slutar med tillbehör som silkeband bundet runt halsen. Men det skulle vara orättvist att bebreja Miuccia Prada med kopiering. För alla likheter av funktioner ser designerens arbete ut som en kvalitativ omprövning av ämnet.

Faktum är att Alessandro Michele själv från ögonblicket av sitt utseende på modearenan uppfattades mer som en begåvad stilist som samlat relevanta bilder från befintliga saker, bara lite som kompletterar dem med litterära detaljer. Och till och med hans idé att släppa modeller på t-shirts och Gucci sweatshirts, som om de hittades på ruinerna med förfalskningar, tycktes vara ett vittigt uttalande om ämnet för det ursprungliga värdet på den moderna fashionabla agendan.

För några år sedan uppstod Phoebe Failos berättelse, som i Céline-kollektionen hösten vinter 2013 kopierade designen av kappan Geoffrey Beene, skapad tio år tidigare. Påståenden till den ovillkorligen begåvade formgivaren kan presenteras som Michele i fråga om den "kända" skapelsen av Dapper Dan. Filelos tillitskredit minskade dock inte i god tid. Stäng inte av Michele. Det ansågs att det senaste årtiondet i mode, vilket innebar en ny, ny och inte tidigare existerande stil, var 1990-talet: allt som hände på modedesignen efteråt var en sammanställning av referenser och citat.

Den moderna konsumenten kräver inte originalitet från formgivaren alls - ofta skapas kring HYIP-varumärket eller överensstämmelse med trender blir viktigare.

Delvis kan detta tillstånd associeras med en stark ökning av intresse för modemärken med namn och historia. Det var på 1990-talet som defthandlare som Bernard Arnaud och Francois-Henri Pino åtagit sig att återuppliva de avdömda modehusen. Till de kreativa regissörernas plats togs unga lovande killar upp, vars uppgift var att återvinna arvet av det märke som tilldelats dem, vilket gör det i enlighet med sin egen estetiska vision. Med tiden blev denna tillvägagångssätt grunden för designers kreativitet, som inte bara fungerade som lönearbetare utan skapade också samlingar för sina egna varumärken. Idag lånar alla - bara kvalitetsnivån är annorlunda.

Under tiden kräver en modern konsument inte originalitet från en formgivare alls - ofta skapas kring HYIP-varumärket eller överensstämmelse med trenderna mycket viktigare. Det är osannolikt att de flesta genomsnittliga personer vet vem Dapper Dan är och varför kappan skapad av Michele inte kan kallas flygningen av skaparens strålande tanke.

Mode idag är 90% affärer och endast 10% kreativitet, så för nästan alla märken är den första prioriteringen att sälja produkten, i stället för att producera en lysande idé som kommer att leva genom året. Vad som hänt under de senaste fem eller sju åren i mode kan beskrivas av den välkända Internet-meme "det unika originalet är en ynklig parodi." Men för att behandla allt detta är värt med lite humor: i slutändan finns det alltid en chans att gräva ut samma original på eBay.

FOTO: Balenciaga, Getty bilder (1), Vetements