Konst av XX-talet i vårens sommarsamlingar

I EN KONSTANT WONDERZINE HEAD talar om trender från podiet som kan anpassas till din garderob för de närmaste sex månaderna. I den här frågan behandlar vi den mest ljusa trenden i säsongskonst, som uppträdde i vårens sommarsamlingar av designers från Prada till Prabal Gurung.

Hur allt började

Konstvärldens idéer har alltid påverkat designen av kläder och tyger. På 1920-talet influerade avantgarde och fauvister, ledd av Henri Matisse, mode, vilket kan spåras i Paul Poirets kläder. Madeleine Vionne var förtjust i kubism och använde geometriska former och linjer i kläder, och den futuristiska konstnären Ernesto Tayat designade logotypen för sitt hus Vionnet. På 30-talet kom passion för surrealism. Elsa Schiaparelli skapade knappar i form av godis och jordnötter och var vänner med Salvador Dali och Jean Cocteau, som visade silkedräkten med hummer, jackan, som avbildade en kvinna vars långa hår sprang ner i ärmen och armarna runt midjan. Dessa och andra idéer kommer att uppstå mer än en gång i moderna designers, inklusive ryska (tänk på samlingen av Alexander Terekhov Autumn-Winter - 2013).

50-talet och 60-talet blev en tid då mode, musik och konst sammanflätade, och framväxten av färg-tv fullbordade genombrottet av den visuella kulturen. Samtidigt har en konsumtionskultur, replikering och massmarknad kommit fram - allt som inte har förlorat sin ställning hittills. Ungdom hällde sig i kreativa högskolor och universitet, och i London och New York blev det modernt att vara designer, fotograf, modell, grafik eller modedesigner (och upphörde aldrig). Designers omskolades till rockstjärnor (till exempel Pete Townsend från The Who eller Keith Richards från The Rolling Stones) och konstnärer skapade affischer för konserter och albumomslag, eftersom konst uppträdde på varje lampa.

Namnen på popkonstnärer känner till allt: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - de var de första som speglar konsumenternas samhälle och populärkultur, som visar vad som intresserar människor här och nu (reklam, tv, varor från butiker). Fadern till popkonst anses vara Brit Richard Hamilton, som skapade den allra första och mest kända collagen "Så vad gör våra hem idag så annorlunda, så attraktiva?" 1956. Roy Lichtenstein experimenterade med bilder av serier och teckningar. Andy Warhol, innan han blev konstnär, fungerade som illustratör verkar det, i alla fashionabla redaktionskontor i New York, ha rätt anslutningar och gav det gröna ljuset till blandningen av genrer. John Cale of Warhols sponsrade The Velvet Underground var gift med modedesignern Betsy Johnson, som nyligen återupptog klädproduktionen vid 72 års ålder. På den tiden skapade Betsy roliga T-shirts under Youthquake-etiketten och arbetade i en av de viktigaste New York-butikerna av tiden - Paraphernalia på Madison Avenue, som samarbetade med Edie Sedgwick och Warhol, som i sin tur målade papper till affären. miniklänningar och shoppersäckar (engångs kläder kom till mode då).

Det var under popkonstens högtidstid på 60-talet att det var behov av billig och snabb design - butikerna svarade snabbt på människors önskemål. Till exempel uppdaterade Bibas butik på Abingdon Road sina samlingar varje vecka - det här är en teknik som nu framgångsrikt driver massmarknaden. Twiggy skrev: "Allt gick ut ur mode så snabbt som det kom. Men det var bara det moderna som lockade, det drev bort allt gammalt."

Att ignorera popkonst var omöjlig. Yves Saint Laurent uppfann som svar klädda klänningar med applikationer i form av hjärtan, kvinnliga profiler, samt läppar, som nyligen tolkade Edie Slimane. Efter Saint Laurent-samlingen "Mondrian" 1965 skapade Stephen Willats en liknande klänning "Changing Sheets", men bara från nymodig vinyl. Pierre Cardin experimenterade med vinyl och Roy Halston skapade klänningar med Warhols "Flowers" från 1964, vilket Miuccia Prada citerade i vårens sommar kollektion 2013.

På 1980-talet kommer konstnär Keith Haring, känd för sin popkonstgraffiti, att öppna Pop Shop i New York, där han kommer att sälja T-shirts med sina verk. Vivienne Westwood kommer också att arbeta med Haring på 80-talet i häxkollektionen där britterna kommer att reproducera konstnärens verk med ljusfärger och idag appliceras Harings verk på T-shirts av Uniqlo-märket, som också släppte ett samarbete med New York Museum of Modern Art. 1991 kommer popkonst att bevisa sig: den italienska Gianni Versace kommer att skapa en tätt passande klänning med ett tryck av stencilsyra-ansikten Marilyn Monroe och James Dean, med hyllning till Andy Warhol. Ett komplement till de oförenliga färgerna på klänningen kommer att vara en bustier som är showgirl-stil, dekorerad med rhinestones och tygstillämpningar. Unga Naomi Campbell kommer att dyka upp i denna klänning, och Condé Nast president Nicholas Coleridge kommer att notera att Versace-klienten inte är belastad med "hög moral".

Hur man bär saker inspirerade av konst, nu

Designers är inte den första säsongen att titta på konst, sedan sätta på kläder, reproduktioner av kända konstnärer (Bosch och Gauguin citeras ofta här), sedan samarbeta med samtida konstnärer. Men denna säsong fanns en märkbar tonvikt på popkonst, även om det inte gjorde utan Gauguin (vi såg hans reproduktioner vid Aquilano.Rimondi-showen och i couture-samlingen Maison Martin Margiela). Med 60-talet och popkonst är modernt mode relaterat och kommersialiseringen av mode och konst. Den mest slående manifestationen av popkonst var Prada-samlingen - Miuccia Prada omtalade dagens och gatukonstnärernas arbete: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra och andra. Dessutom har flera märken som producerar eleganta kopplingar blivit populära: Sarahs väska har verk av Roy Lichtenstein, Yazbukey skapar klara kopplingar i form av ett paket cigaretter eller tandkräm, den brittiska Lulu Guinness - i form av läppar. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott och Ashish på popkonst, hunden åt: här du och Coca-Cola, och ett tryck i form av förebyggande på TV.

Dessutom citerar Jeremy Scott i samlingen av nästa säsong för Moschino, som visar omslagsklänningar, de första saker som skapades för reklam år 1956, nämligen klänningar och kjolar i midi Martini Label-längden, utrustade helt med märkeslogotyperna som bärs av de första rockfansarna. rulla gratis festivaldrycker. Christopher Kane skapar kjolar med ett tryck i form av replikerade färger, som påminner om 60-talets arbete. Raf Simons för Christian Dior använder tekniken för popkonst - logomania. Missoni är inspirerad av japanska serier. Kenzo citerar modern grafik och skissar med pennor. Prabal Gurung skapar Marilyn Monroe hyllning. Preen appliceras på klänningabstraktionen.

Flera märken inspirerades omedelbart av abstrakt expressionism, främst av verk av Jackson Pollock och Mark Rothko. I Chanel-samlingen tryckte Lagerfeld ut på kläder i form av ljusa stänk av färg och prydde utställningsutrymmet med 75 konstverk med symboler på Chanelhuset. målningar, skulpturer och installationer efter showen flyttades till Grand Palais i Paris. Innan han lämnade Jil Sander, inkluderade Gilles Zander också flera bågar med abstrakta tryck i hennes senaste monokrom vår-sommarsamling. Phoebe Failo har släppt samlingen Сéline, det verkar vara matchad av Fauvism och en stor utställning "Henri Matisse: The Cut-Outs, som går till Tate Modern till september. Även Calvin Klein innehåller en båge med abstrakta tryck.

Som brittisk designer Jonathan Anderson säger, visar icke-vinstdrivande samlingar som kritiker har tänkt på länge: "För mig har mode aldrig varit en konstform. Du kan inte jämföra en konstnär och en designer. Både mode och konst kommersialiseras idag." Skillnaden är att konst inte faller på försäljningen, men tvärtom har det genom åren ökat i pris, men en sällsynt klänning kommer in i modemuseet.

AKTA SIG!

Små demokratiska märken har länge älskat att använda konst för kommersiella ändamål, men de brukar göra det på ett frontalt sätt. Akta dig för tvivelaktiga sweatshirts eller påsar med reproduktioner av Bosch, Van Gogh eller en burk Campbell soppa. Om du inte är redo att betala för en stor konstnärs arbete på en dyr kjol, är det bättre att välja saker med abstrakta tryck - det finns till exempel i Zara-samlingen. Ett bra köp kommer att vara en sak från ett samarbete med samtida konstnärer. Och kom ihåg det viktigaste - ovanliga saker kräver noggrann drift: kombinera dem med något minimalistiskt och lämna den hypertrophied excentriciteten till Joan Aguzarova och Andrei Bartenev.

bilder: Tate Modern, Getty Images (4)