Hur förändrade standarden för kvinnligt utseende i Hollywood
Cinema är inte bara konst och underhållning, utan också den ideologiska mäktigaste ledaren, vare sig det är familjenes värderingar eller förhållandet mellan människan och kosmos. Biografens visuella natur har gjort det mänskliga utseendet ett av de viktigaste konstnärliga verktygen, och populariteten hos denna konst har gjort skönhet till en fetisch och ett effektivt propagandavapen. Kvinnlig skönhet, som den framträder på skärmen, förblir föremål för allvarlig diskussion: bilderna som skapades av "drömfabriken" förändrades inte bara över tid men ändrade också den. Vi förstår hur (och varför) filmkaraktärerna i olika epoker såg ut och hur vi kom till ett relativt stort antal kvinnliga utseende på skärmen.
De första tysta filmen skådespelerskorna kom först och främst till tack för deras utseende, vilket motsvarar mycket tydliga krav. Detta drabbade män lite: i början var det flera olika roller för dem, vilket innebär att en mängd olika typer välkomnades. Det visade sig vara lättare med skådespelerskor, den mest filmiska utseendet bestämdes snabbt. Detta är en ung kvinna med stora ögon, tunna, understrukna mörka läppstift läppar, uttrycksfulla konturer av ansiktet och det frodiga håret.
Födelsen av ett sådant ideal främjades av både mode och specificiteten av filmbilden, vilket krävde ljusa och exakta men inte teatraliska ansiktsuttryck från artisten. Kvinnor i biografen behövde naturligtvis att interagera med män - de kännetecknas av ensam hjälplöshet, ansikts- och kroppens sköra skönhet. Vid den tiden verkar både dramatiska och komiska skådespelerskor vara sådana: allt från Mabel Normand, partner av Fatty Arbuckle, till DU Griffiths muse Lillian Gish, ligger nära den ovan beskrivna typen. Detta är helt förenligt med åskådarens begäran: män tittar på oskyldiga och rörande hjältinna, kvinnor vill vara som henne.
Innan utseendet på de första filmstjärnorna störde publiken sig inte med kunskap om aktörernas namn, och de lockades inte av de enskilda artisternas egenskaper utan av de vanliga karaktärerna som de innehöll på skärmen. Dessutom ärvde från litteratur- och teaterbiografen inte alltför många olika ämnen och berättelser där kvinnor deltog. Det territorium där kvinnorna bosatte sig stadigt blev melodramor. Denna genre, som använder historier om äventyrlig kärlek och avslöjar hemligheten för kvinnlig lycka, var populär bland åskådarna. Den första filmstjärnan, förekom förebilder i melodrama. Cinema hjälpte till att drömma.
Kvinnliga skådespelerskor, särskilt de som lyckades bygga en framgångsrik karriär, blev på något sätt gisslan av bilder som inte gick utöver en strikt definierad ram. Det mest slående exemplet är Mary Pickford, som länge varit en evig "tjej med guldkrullar". Bakom kulisserna var skådespelerskan Pickford den mycket starka kvinnan: hon växte upp i en fattig familj, kom till Biograph Studios, där hon spelade utan avbrott, tvekade inte att kräva högre avgifter, var aktivt inblandad i studiobranschen och hon fann sig en roll och plockade upp en filmpersonal.
Men i namnen på hennes bilder blinkar ordet "lite" nästan varannan gång: publiken hälsade coolt de filmer där skådespelerskan dykt upp i åldersroller. Därefter skärade Mary en dag på hennes berömda lockar som ett tecken på farväl till en barnslig bild, och nyheterna om denna händelse spred sig över sladden. Slutet av denna berättelse kan, tyvärr, kallas förutsägbart: allmänheten vägrade att acceptera en vuxen dam som inte orsakar någon kärlek eller en önskan att skydda henne. 1933, efter flera uppenbara misslyckanden, upphörde amerikanska älskade att vara helt borttagna. Och det här är inte en tragedi av en enda legend, men ett slut på en karriär för Hollywood. Fram till 1970-talet kommer kvinnans sätt att bestämma sig för att koppla sitt liv med skärmen ut så här.
På ett eller annat sätt uppträdde bilder av djärva, beslutsamma och starka kvinnor. Men den viktigaste drivkraften i filmen, där huvudpersonen är en kvinna, var hennes skönhet. I en av de heligaste prestationerna av hjältinnan Vivien Leigh i "Gone With the Wind" påskådades en underbar klänning, gjord av gardiner. Marlene Dietrich uppfattades främst som ett oärligt erotiskt föremål, och till psykologiskt mättade roller som inte krävde sexuell färgning, hade hon stigit i en mycket mogen ålder. För resten av hennes korta liv spelade Marilyn Monroe samma förföriska skönhet. I den näst sista av hennes film, coolt och ledsen cowboy drama John Houston "Restless", är hon huvudsakligen engagerade i att excitera betraktarens öga. Är det inte att dansa och inte sjunga, som vanligt.
Studiorna trodde fortfarande att kvinnor behövdes för att de skulle älskas av män. Nästan alla kvinnliga tomter är baserade på berättelsen om Cinderella som släpar i väntan på prinsen. För att skapa lite mer aktiva tecken tilldelades kvinnor historiska filmer, men under samma förhållanden. Katarina II, inkarnat Marlene Dietrich, bekymrar sig huvudsakligen om hennes förhållande till gref Razumovsky. I finalen är han emellertid helt besviken över människor i allmänhet och män i synnerhet, vilket är svårt att tolka som en seger över patriarkaliska åsikter. Tittare kommer att förstå att överdriven kärleksfrihet gör en kvinna olycklig och ensam. Under samma sås tjänstgjorde Maria Stewart i "Mary of Scotland" av John Ford. Katherine Hepburn i varje scen går fantastiska fantasi kostymer, och kärlekslinjen i filmen är mycket tyngre än den historiska.
Fram till slutet av 60-talet bildar filmindustrin i samarbete med reklam och den växande skönhetsindustrin bilden av en idealisk kvinna. Hollywood-bilden med sin överflöd av artificiellt ljus gör det mänskliga utseendet av en statuär, orealistiskt förbättrad. Utseendet på en ung, vacker, leende filmstjärna borde stödjas i ett liv där tidningar och tv blir allt mer obsessiva. Någon, som Elizabeth Taylor och Marlene Dietrich, har lycka till och de har efterfrågats ganska länge.
Samtidigt låste kulten av ungdom och skönhet den åldrande Greta Garbo i huset och deltog i förekomsten av depression i Marilyn Monroe. Bland framgångsrika Hollywood-skådespelerskor är det väldigt svårt att hitta en kvinna med en blick som klart återfaller från kanonen. Om du från och med idag tittar på Billy Wilders klassiska komedi "Only Girls in Jazz", verkar situationen tvetydig: Tony Curtis och Jack Lemmon har tillräckligt med makeup, peruker och generaliserade feminina antics för att helt omvandla till varelser av det andra könet. Men under omständigheterna i en värld där kvinnors utseende är förenade till gränsen, ser den travesty-plot organiska ut och ställer inga frågor.
Vid utvecklingen av en självständig film börjar inställningen till en person i rammen förändras. Det första intresset i det individuella mänskliga ansiktet visades av John Cassavetes. I debutfilmen "Shadows" kom ett stort antal närbilder ovanligt för amerikansk biograf till filmens karaktärer närmare dem som tittar på dem. Cassavethis följer noga emotionerna och försöker fixa sina reflektioner. Filmen "Faces", som släpptes 1968, om man tittar på den över handlingen handlar om hur det som händer med sin ägare manifesteras på en persons ansikte. Berättelsen om ensamma människor som har bestämt sig för att stanna natten tillsammans och har blivit besvikna är bara stöd för dessa detaljerade filmporträtt.
Det här är en liten revolution: Rynkor, inte förklädda med smink, hårförslitning, slaktkroppar och icke-teaterföreställningar var inte väl kombinerade med Hollywood-biografens sterilitet. Skådespelerskan Gina Rowlands, fruen och faktiskt medförfattare till Cassavetes, spelade aldrig de klassiska skönheterna. Hennes hjältom i Faces och Minnie och Moskovits var utmattad och trött, i kvinna under inflytande och premiären - uppriktigt bruten. Cassavetis, förresten, förtjänar inte massornas kärlek hemma. Utvecklingen av liknande idéer fortsatte siffror i New Hollywood. De lämnade i grunden exploateringen av skönhet - eller tolkade den på ett helt nytt sätt.
Det finns inte så många kvinnor i New Hollywoods historia - det var en värld av pojkar som uppror mot industrin - men de är alla anmärkningsvärda. År 1967 släpptes "Bonnie and Clyde" av Arthur Penn. Filmen blev en hit, och det var verkligen ett stort slag mot Hollywood-glansen. I Golden Hollywood var det alltid en kvinna som gömde sig i varje enkelhet, som vid finalen var tvungen att dyka upp i all sin härlighet. Författarna till "Bonnie and Clyde" skriver inte ut till sina hjältar några utmärkelser som lagts ut för dem på grund av ungdom och skönhet. Deras mod och energi omvandlas till brottslig verksamhet - det här är naturligtvis romantisering, men inte transcendentalt. Historien leddes traditionellt av en man, men Bonnie i hennes ikoniska beret är en av de första amerikanska filmhjälten som har fått rätt att inte sträva efter integritet och äta med händerna. Och viktigast av allt - hennes skönhet har inget direkt inflytande på utvecklingen av dess historia. Och stoppar inte kulorna.
Den sexuella revolutionen har tillåtit att avsluta sökandet efter det oförståliga idealet av kvinnlighet. Sam Peckinpah gör medvetet Amy, heroinen i "Straw Dogs", extremt oinhibierad. Så mycket värre: igår, innan den här klassiska blondinen böjde sig, blir hon våldtagen idag. Skönhet är inte längre ett försvar och en fördel, och i det radikala fallet med denna film blir det en förbannelse som väcker djur i parets onormala grannar.
Omedelbart var det första försöket att förstå livet för en vanlig kvinna i bioen "Rachel, Rachel" av Paul Neumann, "Alice bor inte längre här" av Martin Scorsese och "Woman under the Influence" av samma Cassabethis. Skådespelerskorna avlägsnas nästan utan smink, deras kostymer utför inte en dekorativ funktion, alla hjältarna ser exakt ut på sin medelålder. Ellen Burstyn ("Alice Live Here Anymore") och Joanne Woodward ("Rachel, Rachel") är redan mycket stora dramatiska skådespelerskor på den tiden, deras namn var en väsentlig rekommendation att titta på. Burstyn själv initierade skottet av "Alice" och som ett resultat fick hon bara Oscar för den bästa kvinnliga rollen.
Dessa filmer är dramatiskt betonade, vardagliga svårigheter i dem sammanfogar med existentialen, och hjältorna i blygsamma klänningar ser ovanligt ut. Inte överraskande, före sådana tecken - det vill säga som riktiga kvinnor - i Hollywoodfilmer existerade inte. Begäran om en detaljerad undersökning av kvinnors frågor öppnades därmed. Vidare intensifierades feministiska kritiker på 70-talet, inte utan att anklaga Hollywood-biografen för att använda patriarkalisk optik. Hollywood, som inte så länge sedan räknade alls inte på en kvinnlig publik, bryter dåliga vanor. Men en start gjordes.
På 60-talet upplever en återfödelse av musikalen, är de mest framgångsrika proverna av genren traditionellt ekraniziruyut. Därifrån slutar Barbra Streisand och Liza Minelli, som inte har ett tillräckligt subtilt eller förföriskt utseende för Hollywood, hamna i bio. På Broadway, andades artister friare - professionell färdighet i sin egen kropp och röst värderades över sensuella läppar. Filmer av musikaler har nästan alltid kommit kommersiell framgång, och filmskaparna försökte bjuda in de ursprungliga rollspelarna. Det är osannolikt att publiken skulle vilja se i "Funny Girl" och "Cabaret" av andra skådespelerskor.
Populariteten av Barbra och Lisa växte bara, men det är viktigt att efter nästa grödans misslyckande inom musikaliska filmer på slutet av 70-talet började båda bli skott mindre och mindre. Streisand lyckades arbeta med Peter Bogdanovich och Sidney Pollack, vann två Oscar och fick intyg av kritiker som regissör. Men det var inte tillåtet på komedigenren. Producenter och studioägare behöll fortfarande tro på att skådespelerskor med attraktivt utseende ger mer pengar till kassören.
Från slutet av 70-talet började emancipationsmarschen, vars topp föll på 90-talet. I drama, melodrama och komedier, som aldrig har blivit förbjudna för kvinnor i genrer, togs frågor om familj och äktenskap upp, vilket inte tycktes ha diskuterats tidigare. Mer exakt har äktenskapet alltid varit ett lyckligt slut på någon kvinnors historia, en garanti för evig lycka, mottagen som belöning för skönhet och försiktighet. Filmen "Ogifta Kvinna" av Paula Mazursky börjar med en mardröm: Heroines man finner en yngre kärlek och lämnar sin fru. Hon lurar lite, tills hon inser att hon inte längre bor i en värld där äktenskapets slut betyder livets slut. Och i Kramer v. Kramer, för första gången, visade de en kvinna som var sjuk att vara djurhållare hennes linje i filmen är ett avsked mot illusionerna i familje livet.
I ansikten av Jill Kleiberg och Meryl Streep framträder en vanlig vit amerikansk kvinna äntligen till massorna. Det tog Hollywood nästan 80 år att ta detta steg. I utseendet på dessa hjälteman försöker författarna att gissa representanter för publiken: snyggt, välskötta, minnesvärda och inte hävdar statusen för en sexbombe. Vad de liknar bestäms av vad de gör. Gradvis kommer den eviga kvällsmotivet att följa dem i början av biografkonsten att komma bort från kvinnornas ansikten, som är skyldig att betona allt bäst på en gång och att passa något ansikte lite närmare den kanoniska masken.
Samtidigt började filmskaparna, som avkände var vinden blåste, börja bryta de sista bastionerna av motstånd. Kvinnliga huvudpersoner uppträdde i genrer som var ansedda som maskulin som standard. Den första övergivna fiktion. Den här genren var bördig för öppet utnyttjande av sexuella bilder: kvinnor uppträdde i bilder av utländska Amazons eller prinsessor, hade slitstarka futuristiska outfits och smink som på jorden endast förklarades fashionabla år 2013. Och utan undantag drömmer de om sex.
Alla de galna (och bästa) egenskaperna hos dessa filmer samlades i fransk-italienska "Barbarella", där huvudrollen spelades av amerikanska Jane Fonda. Amerikanerna själva uppenbarade plötsligt problem med serietidningsanpassningen med kvinnliga hjältar. Sedan 1967 har det varit tre försök att ta bort berättelsen om Wonder Woman, som alla har misslyckats på grund av fullständig misstro. Denna typ av hjältinna var helt enkelt inte i filmen: att kombinera den överdrivna kvinnligheten med överhuman styrka i ett tecken, och sedan också för att göra den levande personen av denna karaktär avbilda visade sig vara en svår uppgift.
Och 1979 släpptes den första "Alien" Ridley Scott. Ellen Ripley var signifikant olika från alla kvinnor som någonsin har dykt upp i filmer på rymdtemat. Först hade hon en form - verkligen en form, inte en erotisk parodi av henne. För det andra är nästan ingenting känt om hennes personliga liv, medan majoriteten av kvinnliga karaktärer avslöjades på jakt efter kärlek. För det tredje var karaktärsavbildningen av Sigourney Weaver inte oense med filmens omständigheter. Atletisk, fokuserat uttryck av ansiktet, frånvaron av uppenbara attribut av kvinnligheten; I tredje delen kommer hon helt att förlora sitt hår, vilket gör henne nästan androgynös. Ursprungligen, enligt filmens manusförfattare, utgjordes några tips av tecken på golvet för att fokusera på deras professionella relationer. Ridley Scott är fortfarande Ripley-sektionen före det sista mötet med utlänningen, för vilken han upprepade gånger kritiserades. Men fansen tackar från botten av mitt hjärta.
På 90-talet är denna typ av hjältinna vanligt: Jordan O'Neill i "Soldier Jane", Sarah Connor i "The Terminator". I en tid då även Disney-prinsessor var benägna att feminism visade sig det inte att någon kollaps skulle hända om kvinnan fick karaktärsdrag och uppgifter som tidigare endast hänförts till män. Problemet var emellertid i den mest uttalade sexuella avskiljningen av roller, genrer och karaktärer. Det sexlösa experimentet från "Alien" togs inte upp, men de atletiska och modiga hjältinna flyttade snabbt in i kategorin ny sexig.
Dessutom var det på 1990-talet en annan uppsving i oberoende biograf, och större studior var mer villiga att acceptera riskabla projekt. Cinematograferna från den nya generationen var mycket olika från sina äldre kollegor; De kom till bio med nya teman, och därmed med nya hjältar. En lavin av kvinnliga karaktärer som blivit ikoniska har fallit ned på skärmen - Hollywood har aldrig sett en sådan mångfald.
En kvinna med ett "icke-kvinnligt" yrke är i ordning med saker: Clarissa Starling och Agent Scully. De kan väl träffas i det verkliga livet, både är kvadratiska och anständiga drag. Båda arbetar i FBI och möter regelbundet saker som kräver styrka från psyken. Mycket många hjältar i det här decenniet ser ut som om de kom in i ramen, inte förbereder sig. I filmen Harmony Corina och Larry Clark "Kids" debuterar Chloe Sevigny, så småningom att bli en skådespelerska i en självständig film. Chloes utseende passar inte någon typ (eller passar någon av dem), så det är svårt att behandla hennes hjältinna med känsla, synd eller avsky.
Det kan betraktas som förvånansvärt vackert eller helt oattraktivt. Men på grund av avsaknaden av de obligatoriska egenskaperna hos en filmstjärna, ser hennes fördjupning i dårligt tonårsliv inte ut som ett spel. Hon är för mycket som en person, och allt som händer med henne berör oss direkt. Sådan aktualitet utmärker sig av många skådespelerskor vars karriär började på 90-talet: Uma Thurman, Kirsten Dunst, Christina Ricci. Лица в стиле ретро действительно понадобились разве что Дэвиду Линчу в "Твин Пиксе" для контраста с окружающим хаосом.
Самым экстремальным образом была переосмысленная по требованию времени femme fatale. Где-то на пересечении героинового шика и старого Голливуда появились Марла Сингер, Лиса из "Прерванной жизни", Эми из "Поколения DOOM". Бледная кожа, чувственные губы, тяжёлый макияж, общий утомлённый вид . Красота за секунду до смерти. Эти женщины заняты разрушением себя и всех вокруг: наркотики, насилие, безумие. Красота, какой её видел Бодлер.
Under 2000-talet slog helgedans portar iväg, och Hollywood, som väntade på ett kort uppror, började återvända till beprövade system. Utvecklingen av teknik har provocerat avslaget på 90-talets smutsiga och ojämna visuella stil. Historiska filmer, costumed biopics, bandtransport av filmer med komiska böcker - allt detta krävde att skådespelarna bäst passade den ideala formen. Alla "icke-ihåliga-korrekta" går igen till oberoende filmer, serier och komedier. Inget spår kvarstår från de senaste framgångarna.
Vid den här tiden ledde allt arbete med kvinnors fråga "Sex och staden". Den legendariska serien var hjärnbarnet på 90-talet och fortfarande avslappnad, fick oss att vara oss själva. År 2004 släpptes "Monster" debutanten Patty Jenkins med den blonda skönheten Charlize Theron, trött på sin roll. Theron fick sin första viktiga Oscar, och ännu viktigare, så fick denna upplevelse bara henne att inte bli en skådespelerska av en roll. I motsatt riktning fungerar tryckstandarder också.
I slutet av noll hände något. År 2010 visade listan över nominerade för Oscar filmen "Treasure" - ett lågbudget drama om livet för en svart getto-skolgirl som drömmer om ett normalt liv. Pressar har ett nästan normalt flickaktigt liv inuti med fantasier om scenen och blir kär i en lärare. Men hon väntar på det andra barnet från sin egen pappa och gör sitt yttersta för att komma ut ur gropen. Bilden blev en händelse, men inte bara på grund av de problem som uppstod i den. Den viktigaste rollen spelades av Gaburi Sidibe, då fortfarande okänd och mycket komplett. Filmen diskuterades under en lång tid, mycket och på olika sätt. Han har verkligen en stor prestation - han visade att utövarens utseende inte kan direkt relateras till hans dramatiska potential.
Även om det finns diskussioner om huruvida du ska utföra eller förlåt plusstorlek, visas nya namn i filmer och på tv. Alla dessa kvinnor är inblandade i att forma själva principerna för tillvägagångssätt. Alla roller som Greta Gerwig, uppfann och skrivit av henne i samarbete med Noah Baumbach, är dumma charmiga tjejer som inte förstår vad och vem som väntar på det som inte är klart. Hennes hjältomar är inte belastade med svårighetsgraden av framgång eller till och med någon speciell livsställning, men det förlorar inte deras huvudsakliga fördelar. Amy Schumer visar att en kvinna kan göra och säga allt hon vill, och det gör bara henne bättre. Lena Dunham är inte rädd för att göra misstag och delar uppriktigt sin erfarenhet. Den mest lovande unga skådespelerskan i USA, Jennifer Lawrence, påminner oss ständigt om att personen på skärmen också är en person. Skönhet är harmoni med sig själv, allting är inte så viktigt.
Hollywood är osannolikt att aldrig helt bli av med diskriminering av yttre skäl - det är trots allt det enklaste sättet att gjuta. Men vi behöver inte längre de "perfekta hjältarna" att följa: Konst som inspirerar oss är skapad av levande människor. Och vi är mer som dem än det verkar.
bilder: Wikimedia Commons, Groundswell Productions, Columbia Pictures, Faces International Films
